The Good Place – Episódio final

Quem me conhece sabe: Eu sou simplesmente apaixonada por The Good Place (Falei sobre a série aqui). E depois de 4 temporadas ela chegou ao fim algumas semanas atrás. Como eu estava com dó de terminar e me despedir, enrolei para assistir ao último capítulo. Mas não teve jeito. Finalizei na semana passada e posso dizer que estou deitada na BR atropelada por inúmeras emoções.

The Good Place é criação de Michael Schur, também conhecido por Brooklyn 99, Parks and Recreation e The Office. A série é uma comédia que explora a vida após a morte de maneira leve, mas se mostrou produção que debate ética, filosofia, bondade, luto e uma infinidade de outros assuntos sérios, sempre tratados com bom-humor, referências ao mundo pop, uma pitada de nonsense e bastante acidez. Foi ousada, original, cheia de reviravoltas e ao mesmo tempo que parte seu coração também o deixa quentinho.

A primeira temporada foi excelente, a segunda muito boa, a terceira foi boa, mas inferior se comparada às anteriores e a quarta ótima, fechando com chave de ouro. Mesmo com poucos episódios – 13 por temporada – e curtos – cerca de 20 minutos – o enredo final foi criativo, interessante e muito coerente com tudo o que aconteceu e com o que a série representa, principalmente nos últimos quatro episódios, com destaque para o final.

Nossos personagens principais tiveram fins felizes, mas agridoces, como Kristen Bell já tinha dito antes da série chegar ao fim. Spoiler adiante, então, cuidado!

Depois de salvar a humanidade do sofrimento eterno e da aniquilação, o quarteto Eleanor (Kristen Bell), Chidi (William Jackson Harper), Tahani (Jameela Jamil) e Jason (Manny Jacinto), juntamente com Michael (Ted Danson) e Janet (D’Arcy Carden) finalmente vai para o Lugar Bom. E passam centenas de milhares de anos em plena felicidade. Mas quando se sentem completos, sem nada mais a realizar, passam pelo portal que devolve a essência da pessoa ao universo de forma pacífica e calma. 

O mais interessante é que o primeiro a tomar a decisão foi o maluco Jason, que se certa forma se tornou um monge, seguido pelo indeciso Chidi, dessa vez muito certo das suas convicções. Eleanor teve um arco muito interessante porque antes de passar pelo portal ajuda outras pessoas – algo que vai contra tudo o que ela era na Terra e mesmo durante um tempo no pós-vida. A série mostra que existe redenção e que mesmo o mais egoísta pode se transformar. Janet por não ser humana, continua seu trabalho no Lugar Bom, ao passo de Tahani decide se transformar em Arquiteta e ajudar outras pessoas. Mas o melhor final foi o de Michael. O Arquiteto/demônio sempre teve uma fascinação pela humanidade, mas nunca pôde experimentar viver. Até os últimos momentos, em que ele é transformado em humano e enviado à Terra (e nesse momento lágrimas de emoção e felicidade rolam pelo nosso rosto). 

No fim das contas, o mote de The Good Place sempre foi a bondade e como ela muda o mundo. E isso ficou subentendido nos minutos finais. Após Eleanor, extremamente em paz, ser desintegrada, uma de suas partículas que foi devolvida ao universo toca um rapaz que ao jogar fora uma carta endereçada a outra pessoa, mas tinha sido colocada em sua caixa de correio, decide mudar de ideia e entregar para ao destinatário certo, que é Michael. Animadíssimo, o recém-humano que agradece efusivamente a boa ação. Isso mostra que a partícula de bondade tem efeitos eternos e faz do mundo um lugar melhor.

E apesar do meu coração ter se partido, ao mesmo tempo foi acalentado com um final tão sereno, terno, delicado e coerente com todas as quatro temporadas. Quase impossível não chorar ou pelo menos não ficar com um nó gigante na garganta.

E, sim, como eles sempre disseram: “everything is fine”.

Se você não assistiu ainda The Good Place, faça um favor a si mesmo e vá correndo maratonar a quatro temporadas na Netflix.

Recomendo demais.

Teca Machado

P.S. Ainda Amo Você – Sequência de Para Todos Os Garotos Que Já Amei: Crítica do filme

Impossível ler/assistir P.S. Ainda Amo Você, segundo livro/filme da trilogia Para Todos Os Garotos Que Já Amei e não ficar dividido entre Peter K. e John Ambrose. Sei que eu fiquei no livro e fiquei mais uma vez no filme da Netflix, que está no catálogo desde o último dia 12 de fevereiro. A produção, do diretor Michael Fimognari, é fofa. Mas só isso. Perdeu um pouco da doçura e encanto do primeiro filme e foi muito apressada em relação ao clímax.

Em Para Todos Os Garotos Que Já Amei, Lara Jean (Lana Condor), uma romântica inveterada, viu sua vida virar de ponta cabeça quando sua irmã Kitty (Anna Cathcart) envia as cartas de amor que escreveu anos antes para cinco garotos para quem foi apaixonada. Agora em P.S. Ainda Amo Você, Lara Jean está feliz e namorando com Peter K. (Noah Centineo), mas o último garoto a quem escreveu responde: John Ambrose (Jordan Fisher). Insegura sobre o seu relacionamento com Peter, de quem é tão diferente, e reencontrando um amor de infância que tem gostos tão parecidos com os seus, a garota vive um triângulo amoroso.

Quem leu o livro percebe o quanto o filme perdeu em relação ao original. Além de ser diferente em vários aspectos – a começar com o reencontro de Lara Jean e John Ambrose. A obra de Jenny Han P.S. Ainda Amo Você mantém a mesma fofice de Para Todos Os Garotos Que Já Amei e amarra bem todos os acontecimentos. O filme, infelizmente, foi inferior ao anterior e ao livro. O roteiro correu muito e ficou difícil se conectar até mesmo com Lara Jean, que parece mais inocente e insegura que o normal. Peter K. não age tão babaca quanto no livro, apesar de aparentar indiferença em vários momentos e a briga do casal parece boba e apenas uma desculpa para que Lara Jean possa se interessar por outra pessoa. A relação dela com John Ambrose que é tão linda no livro perdeu muito, assim como a amizade com Stormy (Holland Taylor). A percepção da protagonista de sobre quem é o seu grande amor é apressada e sem tanta reflexão. Até mesmo a narrativa do pai dela (John Corbett) se apaixonando pela vizinha (Sarayu Blue) foi apressada e perdeu o charme.

Talvez por o roteiro ter apostado mais em querer fazer humor, no estilo comédia romântica clichê, tirou o foco do que realmente importava: as relações de Lara Jean com aqueles à sua volta. Kitty continua o alívio cômico dos filmes e é sempre uma delícia/irritação quando aparece. A gente tem vontade de matar, ao mesmo tempo que quer cuidar dessa criatura.

O elenco é um ponto muito positivo nessa franquia. Lana Condor é a perfeita Lara Jean, assim como Noah Centineo é a personificação de Peter K. Só acho que com o tempo que passou do primeiro filme Noah ficou com cara de homem já, enquanto Lana continua parecendo uma adolescente. Minha mãe estava ao meu lado enquanto eu assistia e disse que ela parecia uma criança. A excelente adição ao grupo foi Jordan Fisher. No primeiro filme teve uma cena pós-créditos em que John Ambrose aparecia e era um ator loiro com cara de almofadinha bom moço (e pelo livro era como eu imaginava o personagem), mas que bom que mudaram para Jordan Fisher. Juro que quando ele sorri a gente sorri junto. Carismático, lindo e educado, dá para entender o motivo de Lara Jean ter ficado tão dividida.

Esse foi o primeiro longa de Michael Fimognari como diretor. E talvez seja por isso que o filme perdeu em relação ao primeiro. Ele é conhecido no meio cinematográfico por ser diretor de fotografia, inclusive foi o responsável por esse filme, pelo anterior e por produções como Dr. Sono, A Maldição da Residência Hill, Antes Que Eu Vá e outros. É engraçado olhar a lista do que já fez e perceber que trabalhou na fotografia majoritariamente de produções de terror, mas ter esse olhar doce que Para Todos Os Garotos Que Já Amei pede. E disso não podemos reclamar: P.S. Ainda Amo Você continua visualmente lindo.

Recomendo o filme para quem assistiu ao primeiro e para aqueles que gostam de comédias românticas adolescentes.

Teca Machado

Aves de Rapina: Arlequina e sua emancipação fantabulosa - Crítica

Você percebe que um filme de ação tem as mãos de uma mulher quando no meio de uma sequência de luta uma personagem oferece à outra um elástico de cabelo. E há essa cena em Aves de Rapina: Arlequina e sua emancipação fantabulosa, da diretora Cathy Yan, nos cinemas desde o último final de semana.

Na verdade, a produção como um todo foi pensada com uma pegada mais feminista – ou mesmo feminina. É só termos como exemplo o próprio título: A emancipação de Arlequina. No enredo, a protagonista, vivida por Margot Robbie, e o seu “pudinzinho”, também conhecido como Coringa, terminaram seu relacionamento. Ela quer se livrar da fossa, do sentimento de ter sido largada (ainda que aquela seja uma relação totalmente tóxica e problemática), e assim se emancipar e ser dona do próprio nariz. O problema é que enquanto estava com o Coringa, Arlequina colecionou inimigos, pois fazia o que queria sem consequências, já que tinha a proteção de um dos maiores vilões de Gotham. Agora precisa sobreviver a todos. Enquanto isso, ela se junta a policial Renee Montoya (Rosie Perez), a Canário (Jurnee Smollett-Beel) e Caçadora (Mary Elizabeth Winstead) para ajudar Cassandra Cain (Ella Jay Basco).

Um dos pontos mais bacanas desse filme, que é uma espécie de spin-off de Esquadrão Suicida, de 2016, é mostrar uma nova versão de Arlequina. Enquanto no primeiro ela era uma mulher que mudou tudo em si para agradar o Coringa e foi extremamente sexualizada, agora a personagem se liberta, se encontra e reescreve o próprio destino, tudo isso ao lado de outras anti-heroínas fortes, poderosas e totalmente badass.

Para conseguir esse feito, Margot Robbie, que além de protagonizar é uma das produtoras, lutou para que tudo fosse muito diferente do que foi visto em Esquadrão Suicida. Sua intenção era que a personagem não fosse mais vista como um objeto de desejo, por isso a atriz exigiu do estúdio que toda equipe fosse feminina, com diretora, produtora, figurinista e trilha sonora cantada apenas por mulheres. Além disso, doou parte de seu dinheiro como produtora para que o filme pudesse acontecer. E valeu a pena.

Aves de Rapina é um filme muitíssimo divertido, despretensioso e ousado. O público não chega a gargalhar, mas ri e dá vários sorrisos. Ao contrário do que estamos acostumados a ver em Gotham – sempre sombria, escura, lúgubre, triste -, aqui conhecemos o lado leste da cidade, com mais cor, brilho e vida. A direção de arte e fotografia merece destaque, principalmente em cenas de luta. Quando Arlequina chega atirando com balas de confete, glitter e fumaça colorida é um deleite para os olhos (assim como o figurino amalucado da protagonista).

Margot Robbie tem um carisma enorme se esbalda como Arlequina, parece se divertir a cada momento e a produção tem a personalidade dela. A personagem ao mesmo tempo que é infantilizada e avoada, tem uns lapsos de brilhantismo e coerência. Várias críticas negativas disseram que o ritmo acelerado e com falta de foco da protagonista era um ponto negativo, mas eu vi como positivo. E todo o elenco, principalmente o feminino, foi bem escolhido. Rosie Perez, Jurnee Smollett-Beel, Mary Elizabeth Winstead e Ella Jay Basco vivem personagens completamente diferentes, mas juntas têm química, sororidade e exalam ar de amizade, juntamente com Robbie. Ewan McGregor vive o vilão, de forma caricata, mas que funciona com a pegada do filme.

A cenas de luta foram muito bem coreografadas e fazem todo sentido. As mulheres usam suas características físicas, como serem mais leves e ágeis, a seu favor. Usam o peso do próprio homem como alavanca, por exemplo. Quem coordenou todas as sequências do tipo foi Chad Stahelski, diretor da franquia John Wick, por isso há tantas cenas de lutas fantásticas.

Aves de Rapina: Arlequina e sua emancipação fantabulosa é irreverente, divertido e colorido. Vale muito a ida ao cinema.

Recomendo.

Teca Machado

Comentários do Oscar 2020

Como todas as vezes nos últimos anos, na noite passada, durante a transmissão do Oscar, fiz comentários no meu Facebook e trouxe para vocês.

Apesar de não ter conseguido trazer a crítica de todos os concorrentes a Melhor Filme, assisti a todos e vi a cerimônia todinha.

Vamos lá?

Oscar 2020

1- Janelle Monáe fez o número de abertura, com participação de Billy Porter. Foi divertido, colorido e englobou um pouco de cada um dos concorrentes a Melhor Filme. Ótimo começo!

2- Um ponto legal é que ela falou da força das mulheres, e ainda mais ela própria: mulher, negra e queer.

Janelle Monáe e Billy Porter

3- Apesar de mais uma vez a noite não ter anfitrião, Steve Martin e Chris Rock fizeram o discurso de abertura. Tiveram umas piadas boas e falaram mais uma vez sobre o “Oscar so white”, quase sem concorrentes negros e asiáticos – a não ser Parasita – nas categorias principais.

4- Primeiro Oscar da noite: Brad Pitt, como Melhor Ator Coadjuvante, por Era Uma Vez... Em Hollywood.

5- Amo Brad Pitt e acho ótimo ator, mas entre a galera que estava concorrendo com ele (Tom Hanks, Al Pacino, Anthony Hopkins...), não era o melhor. Desculpa, Brad.

6- Zero surpresa que Toy Story 4 ganhou por Melhor Animação.

7- Melhor Curta de Animação quem ganhou foi Hair Love, uma das coisas MAIS LINDAS e delicadas que vi. Você pode assistir essa coisa fofíssima aqui.

Cena de Hair Love, que ganhou como Melhor Curta de Animação

8- Claro que Josh Gad ia zoar o John Travolta por ter falado o nome da Idina Menzel errado e ele certo.

9- E por falar nela, apresentou Into The Unknow com nove “Elsas” de várias partes do mundo. Muito legal! Só uma pena que não tinha representantes nem da América do Sul, nem da África.

10- Keanu Reeves tem a mesma cara há uns 20 anos. Como consegue? E é tão simpático e fofo. E ainda levou a mãe como acompanhante na premiação. Não é à toa que a internet é doida por ele.

11- Parasita ganhou por Melhor Roteiro Original! Gostei! Feliz que entre candidatos norte-americanos ele levou.

12- Eu amei Jojo Rabbit e fiquei feliz que levou de Melhor Roteiro Adaptado.

13- Shia LaBeouf apresentando um prêmio? Estou admirada, até onde eu saiba ele é persona non-grata em Hollywood.

14- O ator Zack Gottstagen entrou para a história. Foi o primeiro apresentador com Síndrome de Down a entregar um prêmio. Estava ao lado de LaBeouf, com quem contracenou no filme The Peanut Butter Falcon. Mas estão criticando que LaBeouf não teve paciência no palco com Zack.

Shia LaBeouf e Zack Gottstagen

15- Oscar da Design de Produção foi para Era Uma Vez... Em Hollywood, que está realmente muito bonito.

16- Adoráveis Mulheres levou o Oscar de Melhor Figurino. Zero surpresa. As roupas são lindas!

17- A abertura para falar sobre Melhor Documentário foi bem interessante e bonita.

18- É, não foi a vez do Brasil de novo. Democracia Em Vertigem não ganhou. Mas parece que esse American Factory, que levou o prêmio, é muito bom.

19- Quero assistir Learning To Skateboard In a Warzone (If You Are a Girl), que ganhou de Melhor Documentário Curta-Metragem. Esse título é maravilhoso e o discurso da diretora também!

20- Laura Dern ganhou como Melhor Atriz Coadjuvante. Não assisti aos filmes de todas as outras concorrentes, mas ela realmente arrasou em História de Um Casamento.

21- Como uma fã fervorosa de trilhas sonoras, amei o clipe sobre músicas de filmes. Só não entendi porquê levaram o Eminem para se apresentar. Beleza ele ganhou Oscar com essa canção, mas qual o motivo de ele estar lá esse ano? Aparentemente até a galera da plateia não entendeu nada – e nem a internet.

Eminem cantou Lose Yourself

E Martin Scorsese aproveitou para tirar um cochilinho.

22- Acabei de descobrir que em 2003, quando o Eminem ganhou o Oscar por Lose Yourself, ele não foi. Não se apresentou e nem recebeu em mãos o prêmio. Esse ano ele finalmente foi.

23- Salma Hayek já foi indicada, mas nunca ganhou o prêmio. Ao apresentar uma categoria ao lado de Oscar Isaac pegou o braço dele e disse: “Eu posso agora oficialmente dizer que eu segurei um Oscar nesse palco". Ao que ele respondeu “Agora o Oscar não está tão branco”.

Salma e Oscar

24- Ford Vs. Ferrari ganhou por Melhor Edição de Som. Vocês assistiram? O filme é muito bom!

25- 1917 ganhou seu primeiro Oscar: Melhor Mixagem de Som.

26- Não sei vocês, mas eu odeio com força o Will Ferrell. Quem o chamou para apresentar um prêmio?

27- Melhor Fotografia também não foi surpresa: 1917. O filme ganhou nessa categoria em várias premiações.

28- Ford Vs. Ferrari ganhou mais uma categoria técnica: Melhor Edição.

29- Em dezembro o Museu do Cinema abre em Los Angeles. Será que eu vou querer ir? Será?

30- Chyntia Erivo, concorrendo como Melhor Atriz e Melhor Canção Original, fez uma apresentação muito bonita de Stand Up, do filme Harriet.

31- Amei Rebel Wilson e o James Corden vestidos de Cats zoando o filme e falando que sabem a importância dos efeitos especiais. Hahaha.

James Corden e Rebel Wilson, que participaram de Cats, que foi muitíssimo criticado, principalmente pelos efeitos especiais

32- Chocada que 1917 ganhou Melhores Efeitos Especiais, sendo que concorreu com O Rei Leão, Vingadores Ultimato e Star Wars. Não que não fosse bom, é excelente, mas ganhar de O Rei Leão, que criaram uma tecnologia nova e ficou tão real que me incomodou os bichos falando? Não fez sentido.

33- O Escândalo levou por Melhor Maquiagem. Fofo que os ganhadores estão agradecendo especialmente a Charlize Theron - protagonista do filme, que transformada para viver o papel.

34- Parasita ganhou como Melhor Filme Estrangeiro, obviamente. E o diretor Bong Jong Ho disse estar feliz que a categoria mudou de nome: Melhor Filme Internacional.

35- Elton John no palco cantando I’m Gonna Love Me Again. Fiquei bem triste que nem Rocketman nem o Taron Egerton foram indicados.

36- Três maravilhosas no palco: Gal Gadot, Brie Larson e Sigourney Weaver. Falaram sobre o poder da mulher e como todas são super-heroínas. Apresentaram a primeira maestro a conduzir a orquestra do Oscar.

Três heroínas: Brie Larsson, Sigourney Weaver e Gal Gadot

37- E, coincidentemente ou não, quem ganhou foi a responsável por Coringa. A profissional ficou tão feliz por ter ganhado que deu gosto de ver! Destacou que mulheres, garotas, mães, filhas, devem produzir, fazer, se fazerem ouvir.

38- I’m Gonna Love Me Again, de Elton John ganhou como Melhor Canção. Fiquei muito feliz! Elton e Bernie no palco juntos é um deleite para quem assistiu ao filme e sabe da relação dos dois. ❤️

39- Bong Joon Ho, de Parasita, ganhou como Melhor Diretor. Ele nem conseguiu acreditar. Ele dedicou a Martin Scorcese, também concorrente, e quem ele admira e estudava na época de faculdade.

40- Kobe Bryant foi o primeiro a ser lembrado na seção In Memoriam. Para quem não sabe, ele ganhou o Oscar de Melhor Curta-metragem de Animação em 2018, com Dear Basketball.

41- Joaquin Phoenix ganhou como Melhor Ator, por Coringa, como era esperado. E fez um discurso incrível sobre direto dos animais e injustiças, sobre como o ser humano pode ser melhor e sobre ele ter tido uma segunda chance em Hollywood. Você pode ver o discurso completo aqui.

Joaquin Phoenix recebendo o Oscar como Melhor Ator por Coringa

42- Renée Zellweger, seguindo o fluxo das apostas, levou Oscar como Melhor Atriz, por Judy. Quero muito assistir.

43- Jane Fonda, toda maravilhosa no palco, para entregar o principal prêmio da noite. Não canso de admirar essa mulher maravilhosa que é presa quase toda semana por causa de participação em protestos a favor do meio ambiente. 

44- Chocando a todos, Parasita levou para casa o prêmio de Melhor Filme. Ninguém da equipe acreditava. Foi a primeira vez que um filme de língua não inglesa ou produção não americana ganhou na categoria.

45- A carinha de Bong Joon Ho olhando o próprio Oscar é a coisa mais bonitinha que você vai ver hoje.

E esse sorriso e cara de "não acredito que é meu?" do Bong Joon Ho?

46- No meio do discurso dos produtores de Parasita, as luzes começaram a apagar e a música a tocar, indicando que o tempo dele acabou, mas a plateia começou a gritar e pedir que deixassem a equipe terminar de falar. Foi lindo!

47- A academia fez uma mudança nos votantes do Oscar nos últimos dois anos, o que explica essa mudança de rumo nos indicados e ganhadores. Senti o Oscar levemente mais inclusivo. Mas só levemente. Ainda tem um longo caminho a trilhar.

Eu gostei bastante de Parasita, mas não tanto para ganhar o principal prêmio. Achei diferente, interessante e com bons plot twists. Mas acreditei que quem ganharia era 1917, que é uma obra de arte cinematográfica. Apesar de tudo, minha torcida estava para Jojo Rabbit.

E você, assistiu aos filmes? O que achou dos vencedores?

Veja a lista completa dos vencedores aqui.

Ano que vem tem mais comentários do Oscar!

Teca Machado

Jojo Rabbit - Crítica

Entre os concorrentes do Oscar 2020 na categoria Melhor Filme, com certeza o menos falado é Jojo Rabbit, do diretor Taika Waititi. O que é uma pena, porque ele com certeza é o meu preferido entre os participantes. A produção, baseada no livro Caging Skies, de Christine Leunens, é um tanto difícil de definir, mas com certeza é extremamente importante, irreverente e diferente dos outros candidatos. É uma crítica satírica ao nazismo que aquece o seu coração ao mesmo tempo que o destroça.

O filme se passa no último ano da II Guerra Mundial. Ali somos apresentados a Johannes Betzler (Roman Griffin Davis), mais conhecido como Jojo Rabbit, um menino alemão com 10 anos que como a maioria das crianças alemãs da época participa da juventude hitlerista. Ele leva política a sério e idolatra Hitler, tanto que o Führer é o seu amigo imaginário (interpretado maravilhosamente pelo próprio Waititi). Jojo acredita que judeus são monstros com chifres, que dormem de ponta-cabeça como morcegos e que hipnotizam e entram nos cérebros dos alemães. Por isso a sua surpresa quando descobre que Rosie, sua mãe (Scarlett Johansson), está escondendo uma menina judia em casa. O garoto fica num dilema: entregar Elsa (Thomasin McKenzie) para a gestapo e correr o risco de ele e sua mãe serem presos (ou mortos) ou ficar em silêncio fingindo que não sabe de nada com medo de a maléfica judia fazer algo contra ele?

Apesar do tema dramático – e do tom que ele toma principalmente no terço final – Jojo Rabbit é um filme de comédia. Não, falar que é comédia não exemplifica o que é a produção. É quase como se A Menina Que Roubava Livros fosse um filme satírico e leve. Não é de fazer gargalhar, mas em vários momentos me peguei sorrindo. E eu definitivamente ri em vários momentos com a persona totalmente apatetada e burra de Hittler fruto da imaginação de uma criança. E não só o Führer é satirizado. Toda a equipe nazista que cuida da cidade é um tanto tonta e completamente satirizada. Sam Rockwell, Rebel Wilson e Alfie Allen estão ótimos – como já era de se esperar - e levam o nazismo a outro nível. Apesar desse tom bem-humorado, o roteiro, que é do próprio Waitiki, não pesa a mão na comicidade, que acontece apenas nos momentos certos.

O elenco é muitíssimo bem afiado. Roman Griffin Davis, apesar de apenas 12 anos, tem um timming excelente, um sorriso carismático, um olhar inocente e uma paixão avassaladora pelo que acredita. A transformação pela qual seu personagem passa é imensa e o ator mirim soube carregar muito bem esse peso. Tanto que foi indicado ao Globo de Ouro de Melhor Ator. Outra integrante do elenco jovem é Thomasin McKenzie, que não pode ser descrita com outra palavra além de maravilhosa. Alguns críticos disseram que apesar de Johansson estar incrível, McKenzie deveria ter sido indicada. E por falar em Johansson, Rosie é espetacular. Cuida sozinha de Jojo, está sempre bem-humorada apesar de todos os pesares da vida, seu sorriso é constante e tem uma visão lúdica da vida que lembra um pouco Guido (Roberto Benigni), de A Vida é Bela. E além de tudo ela representa a resistência alemã, aqueles que de alguma forma se opuseram ao nazismo. E é impossível não falar de Waititi como Hitler. Sempre que está em tela é um divertimento. Em entrevista ele afirmou que sempre que dirigia Davis o fazia vestido como o personagem. Lendo sobre a produção, vi que o diretor é parte judeu e quando questionado de porque interpretaria o homem que foi responsável pelo massacre do seu povo, sua resposta foi “quer melhor f***-se ao cara do que esse?”. 

A fotografia de Jojo Rabbit é lindíssima. Quem imaginaria que a Alemanha nazista, com a guerra acontecendo a todo vapor seria tão colorida e alegre? E na verdade era. Waititi pesquisou e descobriu que o país estava sempre festivo, como no filme, para evocar uma sensação de celebração e vitória no povo, mesmo que estivesse perdendo a guerra.

Waititi, que é mais conhecido por ter dirigido Thor: Ragnarok, era o diretor – e roteirista - para Jojo Rabbit. Seu olhar apurado, sensível, cômico e ao mesmo tempo inocente deu ao filme alma. Numa crítica no IMDb, o usuário diz que o diretor sabe quando fazer piada nas ações e crenças nazistas e quando deixar que os horrores da II Guerra Mundial batam profundo no público. Foi exatamente o que eu senti.

Apesar de a guerra ter acontecido há tantas décadas, Jojo Rabbit tem uma mensagem política muito importante para os dias atuais. Ele é um paralelo com o presente, já que fala sobre casos de xenofobia, adoração de líderes políticos – de ambos os lados, viu? -, de supremacia das forças armadas e de preconceitos. Trata-se de um lembrete do que não podemos deixar acontecer outra vez. É o filme de guerra mais diferente que já assisti.

Prepare o seu coração, porque é uma viagem incrível.

Além de Melhor Filme, Jojo Rabbit está concorrendo ao Oscar nas categorias: Melhor Atriz Coadjuvante (Scarlett Johansson), Melhor Roteiro Adaptado, Melhor Figurino, Melhor Design de Produção e Melhor Montagem.

Recomendo muito.

Oscar 2020

Categoria Melhor Filme

Ford vs Ferrari: Assistido- crítica aqui

O Irlandês: Assistido – crítica aqui

JoJo Rabbit: Assistido 

Coringa: Assistido - crítica aqui

Adoráveis Mulheres

História de um Casamento: Assistido - crítica aqui

1917: Assistido - crítica aqui

Era Uma Vez Em... Hollywood: Assistido – crítica aqui

Parasita

Teca Machado

1917 - Crítica

Até o Globo de Ouro, 1917, do diretor Sam Mendes, era um filme quase sem expressão. Não era citado pela crítica e pelo público de forma abrangente, mas recebeu uma menção aqui e outra ali. E, então no dia da cerimônia o “azarão” levou o prêmio de Melhor Filme – Drama para casa. Todos começaram a falar sobre a produção, que inclusive entrou na lista de indicados a Melhor Filme do Oscar. E, é claro, na minha maratona de assistir aos concorrentes dessa categoria, vi 1917.

O enredo gira em torno de dois soldados ingleses, Blake (Dean-Charles Chapman, o Tommen de Game of Thrones) e Will Schofield (George MacKay). Em meio a Primeira Guerra Mundial, os russos haviam saído da batalha para resolver seus problemas internos, os Estados Unidos estavam prestes a entrar no combate e os alemães estavam liderando. Blake e Will recebem uma missão: atravessar 16 quilômetros de um terreno antes ocupado pelo exército alemão para entregar ao general de outro batalhão uma carta cancelando um ataque na manhã do dia seguinte. A inteligência inglesa descobriu que eles estavam prestes a ir para uma armadilha, que poderia custar a vida de mais de 1.600 homens, incluindo o irmão mais velho de Blake.

Além de uma história interessante, ainda que um tanto rasa em questão de desenvolvimento de personagens, o que mais chama a atenção em 1917 é a maneira como foi filmado. O diretor criou um plano-sequência quase ininterrupto e acompanhamos os protagonistas como se fosse em tempo real. Há apenas um corte aparente na filmagem, quando um deles desmaia. Fora isso, a impressão é que Sam Mendes filmou os 120 minutos de produção em uma só tomada. E isso é incrível. Essa continuidade constante dá a sensação de urgência que os soldados vivem. Em muitos momentos eu me peguei pensando “corre, gente, não vai dar tempo”, torcendo para que tudo desse certo.

A câmera está sempre muito próxima. Os acompanhamos de costas em meios as trincheiras – e dá uma sensação enorme de claustrofobia e medo pelos soldados -, de frente, como se estivéssemos caminhando poucos passos adiante, e ao lado. Por isso e por toda fotografia, que é belíssima, é difícil acreditar que outro filme leve os Oscars de Melhor Fotografia e Melhor Design de Produção. Alguns críticos reclamaram que essa técnica deixou o filme com cara de videogame. Até mesmo disseram que estava mais para Call of Duty do que para longa-metragem. Mas não podemos negar que Mendes ousou e quis fazer algo diferente.

As atuações são competentes. A dupla principal toma 95% de tempo de tela e possui uma química boa. Enquanto Blake é otimista, destemido e ansioso para começar a “aventura” de entregar a carta, salvar o irmão e mais vários soldados – e, quem sabe, ganhar uma medalhe nesse processo -, Scho é reticente, tem medo do que lhes pode acontecer e é a voz da razão. Além deles, se você não prestar bastante atenção, acaba não percebendo a participação de atores de peso em 1917. Colin Firth, Benedict Cumberbatch, Richard Madden (Rob, de Game of Thrones) e Mark Strong aparecem por alguns segundos.

A produção é tão maravilhosa tecnicamente que pecou um pouco no enredo. O roteiro é muito bom, mas faltou profundidade e talvez um tantinho de emoção. É de se esperar que um filme de guerra arranque algumas lágrimas do público – ou mesmo dê uns nós na garganta. Fora que muitos momentos parecem “dar certo demais”. Por exemplo: eles acham um balde de leite fresco numa fazenda abandonada e pegam. Horas depois encontram um bebê que precisa de leite. Senti que muito ficou bem amarrado até demais. São tantas coincidências que fica um pouco irreal. Mas isso não tira o brilho do filme e nem da experiência cinematográfica que ele é.

1917 é baseado em histórias da guerra que o avô de Sam Mendes o contava quando era jovem. Não chega a ser baseado em fatos reais literalmente, mas, segundo o diretor, esse fato da carta entregue realmente aconteceu. A produção tem uma carinha de ganhadora de Melhor Filme e é o favorito nas pesquisas. Além da categoria principal da premiação, está concorrendo a Melhor Direção, Melhor Fotografia, Melhor Cabelo e Maquiagem, Melhor Trilha Sonora Original, Melhor Design de Produção, Melhor Edição de Som, Melhor Roteiro Original, Melhor Mixagem de Som e Melhores Efeitos Visuais.

Recomendo muito.

Oscar 2020

Categoria Melhor Filme

Ford vs Ferrari: Assistido- crítica aqui

O Irlandês: Assistido – crítica aqui

JoJo Rabbit

Coringa: Assistido - crítica aqui

Adoráveis Mulheres

História de um Casamento: Assistido - crítica aqui

1917

Era Uma Vez Em... Hollywood: Assistido – crítica aqui

Parasita

Teca Machado

História de Um Casamento - Crítica

“Vou amá-lo sempre, mesmo que não faça sentido.” Essa parece uma declaração de amor. Mas ao mesmo tempo que é, também não é. Complexo, não? Bom, ninguém disse que lidar com sentimentos e relacionamentos, principalmente o fim deles, seria tranquilo. E é isso que explora o filme História de um Casamento, direção e roteiro de Noah Baumbach, original Netflix, que está concorrendo ao Oscar nas categorias Melhor Filme, Melhor Atriz (Scarlett Johansson), Melhor Ator (Adam Driver), Melhor Atriz Coadjuvante (Laura Dern), Melhor Roteiro Original e Melhor Trilha Sonora Original.

Como diz o próprio título, ele é a história de um casamento. Na verdade, do fim dele. O enredo mostra as implicações na família do fim do relacionamento entre Nicole (Johansson) e Charlie (Diver), casados há alguns anos e com um filho pequeno. Quando tudo acaba, o lado racional do casal diz que deve ser tudo resolvido amigavelmente, mas o que acontece é muito mais emocional, brutal e violento do que ambos queriam ou mesmo estavam dispostos a fazer.

Terminei de assistir com sentimentos mistos. É verdade que no começo eu senti raiva de todos eles, principalmente de Nicole. Ela extremamente amarga, sua mãe sufocante, o filho chato, Charlie com traços machistas, a advogada voraz. Enfim, estava inclusive doida para que terminasse logo, tão grande o ranço de todos os personagens. E então o filme vai acontecendo. Todos vão se transformando, inclusive o espectador. E passei a gostar.

As atuações realmente mereceram as indicações ao Oscar. O (ex-)casal protagonista não mede esforços em dar o melhor de si em todas as cenas. Eles brilham a todo momento, mas é na sequência da briga entre Nicole e Charlie que vemos todo o potencial. Mesmo se o filme fosse um curta com apenas essa cena eles seriam indicados. E Laura Dern, como Nora, advogada impiedosa e carinhosa de Nicole também é sempre um deslumbre quando aparece.

Não há nada de extraordinário no enredo. É um casal que antes era feliz – ou pelo menos achava que era -, e agora não é mais e está se divorciando. É clichê, de certa forma e é a vida real. Quantas pessoas você conhece que já passaram por isso? Mas o roteiro é extremamente bem escrito e as atuações tão viscerais (não consigo achar outra palavra para descrever) que o filme é interessante. Baumbach geralmente trata de assuntos pessoais nas suas tramas. Ele afirma que essa produção não é autobiográfica, mas contém elementos da sua vida. Charlie também é diretor, e assim como ele já passou por um divórcio – e sua ex também é atriz, como a personagem da Nicole – e hoje é casado com Greta Gerwig, premiada diretora e atriz, que participou de vários de seus filmes.

Sendo bem sincera, História de Um Casamento é triste. Na verdade, é agridoce. A gente está acostumado a ver produções em que o casal começa separado e fica torcendo para que fiquem juntos. Mas aqui é o contrário. E os primeiros minutos são as vozes deles em off, falando o que cada um ama no outro, e tem um tom otimista e feliz. Só que somos levados para a realidade do enredo, que passa longe disso. E no fim das contas, eles continuam se amando, mesmo que não faça sentido, mesmo que não seja juntos, mesmo que não seja dentro de um casamento. O amor tem várias formas, e isso fica bem claro.

Assim como O Irlandês, História de Um Casamento é uma produção original Netflix e para concorrer ao Oscar passou em algumas salas de cinema selecionadas ao redor do mundo.

Recomendo.

Oscar 2020

Categoria Melhor Filme

Ford vs Ferrari: Assistido- crítica aqui

O Irlandês: Assistido – crítica aqui

JoJo Rabbit

Coringa: Assistido - crítica aqui

Adoráveis Mulheres

História de um Casamento: Assistido

1917

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Parasita

Teca Machado